Die diesjährige Reihe von Designern erfindet die Welt der Innenarchitektur von Grund auf neu.

Auf dem <a href="https://www.lofficielusa.com/art/milan-design-week-2022-guide-what-to-see-exhibitions-installations-interior-designers" target="_blank" rel="noopener">Salone di Mobile</a> gab es so viele L&auml;cheln wie Pressemitteilungen &ndash; als die Menschen die R&uuml;ckkehr zur drittgr&ouml;&szlig;ten Messe der Welt nach der Detroit Car Show und der japanischen Comicon begr&uuml;&szlig;ten. Die fulminante R&uuml;ckkehr des Mail&auml;nder Giganten entt&auml;uschte nicht. Tats&auml;chlich hat es alle Register gezogen, indem es die wichtigsten Akteure der Modebranche ( <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion-week/loewe-fall-winter-2022-jonathan-anderson-runway-photos" target="_blank" rel="noopener">Loewe</a> , <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/history-of-the-hermes-carre-scarf" target="_blank" rel="noopener">Herm&egrave;s</a> , Nike, <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/louis-vuitton-objets-nomades-milan-design-week-2022" target="_blank" rel="noopener">Louis Vuitton</a> und <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/history-of-swarovski-crystals-luxury-jewelry" target="_blank" rel="noopener">Swarovski</a> , oh mein Gott) eingebunden und Begleitprogramme wie den Salone-Satelliten 5 Vie und Alcova, wo j&uuml;ngere Namen zu finden waren, gest&auml;rkt hat. Hier sind die aufstrebenden Stimmen, deren Pr&auml;sentationen uns auch nach der Schlie&szlig;ung der Bar Basso in Erinnerung geblieben sind.

Khaled El Mays

<a href="https://www.instagram.com/khaledelmays/?hl=en" target="_blank" rel="noopener">Khaled El Mays</a> trat erstmals 2016 auf der House of Today Design Biennale mit seiner gefeierten <a href="https://www.architecturaldigest.com/gallery/khaled-el-mayss-beirut-abode-blurs-line-between-home-showroom" target="_blank" rel="noopener">Fishawy-Kollektion</a> auf, die aus einem Rattan-W&auml;schekorb und einem Stuhl besteht, aus dessen R&uuml;ckenlehne eine Garderobe wie eine Angel herausragt. Seitdem bringt der in Beirut lebende <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/interior-designer-billy-cotton-new-monograph-rizzoli-exhibition-ralph-lauren-home" target="_blank" rel="noopener">Designer</a> der Designwelt bei, wie man ohne S&auml;ure trippelt. Und wir w&uuml;rden uns gerne alle Zehen an jedem St&uuml;ck aus seiner Jungle- oder Flora-Sammlung sto&szlig;en, die sich derzeit durch einen oberen Raum des Nilufar Gallery Depot schl&auml;ngelt.
Es ist die dritte Einzelpr&auml;sentation des Designers auf dem Salone di Mobile mit der <a href="https://nilufar.com/en//" target="_blank" rel="noopener">Nilufar Gallery</a> und wohl seine st&auml;rkste. Sie k&ouml;nnen nicht anders, als sich in seinem Tropenwald zu verirren, der aus 3D-druckfertigen Halluzinogenen besteht, die liebevoll mit handgefertigter Pr&auml;zision und erstklassigen (und manchmal recycelten) Materialien hergestellt werden. Gespickt mit dem Sinn f&uuml;r Humor, den wir lieben und vielleicht von El Mays verlangen, f&uuml;hlt sich diese Sammlung zufriedenstellend weiterentwickelt an und baut auf der Sprache auf, die er mit Fishaway etabliert hat, ohne dort herumzutr&ouml;deln. Stattdessen dreht es sich in einen Rausch der 1970er Jahre und erinnert an den Einfallsreichtum von <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/mario-bellini-bubble-couch-instagram-eternity-modern" target="_blank" rel="noopener">Mario Bellinis modularem Sitzsystem Camaleonda</a> f&uuml;r B&amp;B Italia. Es ist sch&ouml;n zu sehen, dass Galerien Qualit&auml;t so ernst nehmen wie Nilufar und tats&auml;chlich einem K&uuml;nstler helfen, die Ma&szlig;st&auml;be, die sie sich selbst setzen, immer wieder herauszufordern.

Tolulope Adebayo

Der Architekt und Designer Tolulope Adebayo hatte schon immer <a href="https://www.metmuseum.org/art/collection/search/489205" target="_blank" rel="noopener">den geflügelten Egg-Stuhl des dänischen Architekten Arne Jacobson</a> und die Art und Weise bewundert, wie er eine alltägliche, mit kulturellen Bedeutungen beladene Form für seine eigenen formalen Zwecke nutzte. Ihr Stuhl <a href="https://www.architecturaldigest.com/story/the-best-nigerian-furniture-designs-on-view-at-design-week-lagos" target="_blank" rel="noopener">Ijoko Abeti Aja</a> <a href="https://www.architecturaldigest.com/story/the-best-nigerian-furniture-designs-on-view-at-design-week-lagos" target="_blank" rel="noopener">(</a> 2021), dem wir in der Ausstellung Salone Satellite der Design Week Lagos begegnet sind, funktioniert ganz ähnlich. Nachdem sie ein Jahr lang über <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/fabrizio-casiraghi-interior-designer-paris" target="_blank" rel="noopener">Produktdesign</a> nachgedacht, sich Videovorträge auf YouTube angeschaut und noch mehr Inspirationen und Recherchen in Kaninchenlöchern gemacht hatte, traf sie die Idee für Adebayos erstes Möbelstück wie ein Blitz. „Als Designer muss man immer studieren, man muss sich immer mit der Geschichte befassen, man muss sich ansehen, was jetzt passiert, die Trends seiner Zeit, so trainiert man sich zu sehen“, sagt sie. Die Ijoko Abeti Aja &nbsp; Für manche mag der Stuhl einer Origami-Form ähneln, und dieser Hinweis ist sicherlich vorhanden, aber diejenigen, die mit nigerianischer Mode vertraut sind, werden seine Form sofort als eine Abeti Aja-Mütze erkennen, das modische Markenzeichen der Yoruba-Männer. Der Stuhl ist wie seine Muse aus handgewebtem Material gefertigt und verkörpert Adebayos Ehrgeiz, den <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/designers-to-know-nigeria-arise-fashion-week-naomi-campbell-kenneth-ize" target="_blank" rel="noopener">nigerianischen</a> und westlichen Kanon gleichzeitig zu unterstreichen. „Ich möchte meine Stühle überall in Lobbys, Büros und Wohnungen sehen, das ist mein Traum“, sagt sie. „Ich möchte auch daran arbeiten, eine zukünftige Iteration zu entwickeln, die zusammenklappbar ist und sich wie die Papierversion, die ich erstellt habe, in sich selbst zusammenfalten lässt.“ Wir können es jetzt sehen: Marmorlobbys und grüne Rasenflächen, die von Scharen bonbonfarbener Stühle besetzt sind, deren Flügel für den bevorstehenden Flug ausgebreitet sind.

TIjana Kostic

Eine weitere Entdeckung auf dem Salone Satellite entstand aus einer Gruppenpräsentation mit dem einfachen Titel Young Balkan Designers . Hier stießen wir auf den serbischen Architekten und das <a href="https://www.instagram.com/focal.one/?hl=en" target="_blank" rel="noopener">Focal</a> <a href="https://www.instagram.com/focal.one/?hl=en" target="_blank" rel="noopener">Design Studio</a> Mitbegründer <a href="https://www.instagram.com/tijanakos/" target="_blank" rel="noopener">TIjana Kostic</a> &#39;s Set aus Beistelltischen mit Rauchglasplatte und ihren humorvoll geklemmten Beinen. Die Subversion -Kollektion von Kostic erinnerte an <a href="https://www.nytimes.com/2020/02/27/arts/design/donald-judd-moma-review.html" target="_blank" rel="noopener">Donald Judds</a> Sinn für materiellen Essentialismus und Knappheit mit einem Hauch von <a href="https://hypebeast.com/2022/1/rachel-harrison-caution-kneeling-bus-regen-projects" target="_blank" rel="noopener">Rachel Harrisons</a> zungenbeissendem Readymade-Witz. Anstatt den Couchtisch als Beweis für die intellektuelle Neugier des Besitzers zu schmücken, sind Bücher hier zur Funktionalität avanciert und zum Knorpel zwischen den Pinschern von &quot; schnell greifenden&quot; Industrieklammern geworden, die traditionellere Stützen ersetzen. Unendlich wandelbar und skalierbar, erinnerte uns dieses modulare System an die Open-Source-Großzügigkeit von <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/lo-dossier-international-interior-homeware-designers-home-design" target="_blank" rel="noopener">Industriedesignern</a> wie <a href="https://www.fastcompany.com/90565803/remembering-design-legend-enzo-mari-the-forefather-of-ikea" target="_blank" rel="noopener">Enzo Mari</a> , die statt Gatekeeping reproduzierbare Kunststücke veröffentlichten, die andere mit Materialien nachahmen konnten, die bereits zu Hause oder in der Garage vorhanden waren. Damit umgeht Kostic spielerisch den heutigen <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/fashion-perspective-sustainability-earth-month-environmental-awareness" target="_blank" rel="noopener">Nachhaltigkeitswahn</a> und dessen logisches Ende, dass das Beste, was ein Designer tun kann, gar nichts ist. „ Im Gegensatz zur konsumorientierten Denkweise komme ich aus einer Kultur, in der Dinge, wenn sie kaputt gehen oder nicht mehr gebraucht werden, wiederverwendet, repariert und wiederverwendet werden“, sagt Kostic . „ Die Kreativität dieses Ansatzes inspiriert mich sehr.“ Indem sie ihren Endverbraucher ermächtigt, verschiebt Kostic auch die Beziehung zwischen Hersteller und Benutzer von der von Kunde und Produzent zu Mitverschwörern. Und in dieser subtilen Anpassung scheint die Magie von Kostics Idee durch, die die Entfremdung zwischen Konsum und Kreation auf eine Weise herausfordert, die für eine Plattform wie Salone lebenswichtig war.

Grace Prince

Die Tische, Vasen und Stühle, die die Designerin <a href="https://www.graceprince.com/" target="_blank" rel="noopener">Grace Prince</a> herstellt, beginnen ihr Leben als Clipart – die buchstäbliche Art, bei der Sie die Dinge, die Sie mögen, aus Büchern und Zeitschriften ausschneiden und mit Klebstoff übereinander schichten. Die in Mailand lebende, in Großbritannien geborene Künstlerin bezieht ihre Bilder von Stücken, die sie auf der Straße findet, bis hin zu Bänden, die sie in Antiquitätengeschäften und auf Kunstmessen ergattert. Diese Referenzen werden dann auf Papier collagiert und perfektioniert, bevor Prinz Frankenstein sie in drei Dimensionen bringt, wo sie unweigerlich unerwartete Charakterzüge annehmen, die der Designer nicht planen kann. Dies ist die Faszination, die sie für sich selbst in den Prozess einbaut, aber letztendlich auch das, was die Arbeit für den endgültigen Betrachter so überzeugend macht; es gibt zum Beispiel eine Spannung in den dürren, lockeren Gelenken, die ein Bein mit dem anderen verbinden. Die Materialien, die sie verwendet, sind oft Fragmente, wie die ursprünglichen Papierschnipsel, aus denen ihre Zeichnungen bestehen, die sich für sich genommen zerbrechlich anfühlen, aber wenn sie in die Logik ihrer Entwürfe eingefügt werden, werden sie rätselhaft zielgerichtet. „Collage wird zu einem integralen Bestandteil der Empfindung, die ich in dem Stück, das ich baue, zu analysieren versuche“, sagt Prince. „Es ist also eine Forschung, die von einer entropischen Empfindung ausgeht, anstatt von einem bestimmten Material auszugehen.“ Ihre Präsentation bei 5 Vie (ein Schaufenster-basiertes Design-Pop-up), Entropy &amp; Desire , hat ihren Namen von dieser Idee und hielt uns als die genialste Geste, die wir die ganze Woche gesehen haben, in unseren Bahnen. Ihre Kollektion Unsettled Balance besteht aus einer Vase, einem Stuhl, einem niedrig hängenden Couchtisch und Totems von Louise Bourgeois.

Chmara. Rosinke

Bei Alcova, einem unabhängigen Design-Satelliten in verlassenen Militärkasernen, gab es an jeder Ecke Entdeckungen, aber trotz der visuellen Konkurrenz war es immer noch unmöglich, eine besonders grüne Terrasse mit freistehenden Küchen zu übersehen, deren geometrische Profile eher an <a href="https://www.lofficielusa.com/fashion/artist-piet-mondrian-yves-saint-laurent-dress-history" target="_blank" rel="noopener">Piet Mondrian erinnerten Gemälde</a> als die früheren. Dies war ein sicheres Zeichen dafür, dass das preisgekrönte, in Wien und Berlin ansässige Studio<a href="https://chmararosinke.com/" target="_blank" rel="noopener">Chmara.Rosinke</a> mit voller Kraft dabei war – und Vorschläge aus einem ganzen Jahrzehnt mitbrachte, wie wir unsere Küchen gemeinsam als aktive Räume umgestalten könnten , ohne es zuzugeben nur ihre Funktion, sondern für die pedantischen und manchmal kontraintuitiven Rezepte der Kulturherstellung. Auf die Frage, warum die Küche nach einem Jahrzehnt immer noch ein so fruchtbarer Ort zum Nachdenken ist, verweist das Duo auf die Sinnlichkeit des Raums und seine „Gerüche, Farben, Geräusche, Temperaturen und Texturen“, wenn man den Kontrast zwischen neuen Arbeiten betrachtet .“ „Wenn man Freude am Kochen lernt, ist das eine Bereicherung für den Alltag, zum Entspannen nach einem anstrengenden Tag oder für einen frühen Start in den Tag mit Aromen von frisch gebackenem Brot“, erklärt Mitgründer Maciej Chmara. „[Wenn es um Küchen geht] wünschen wir uns mehr Kochen, mehr Arbeit und mehr soziale Aktivitäten. Viele Küchen sind so oft geschlossene Kuben, die persönlich nicht inspirierend sind. Wir stellen die Küche gerne auf den Kopf; Wir möchten daraus einen farbenfrohen, verspielten und inspirierenden Ort machen, den Mittelpunkt Ihres <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/colorful-maximalism-2022-home-interior-design-trend" target="_blank" rel="noopener">Zuhauses</a> und das Zentrum jeder guten Party.“ Ihre jüngste Vermittlung zu diesem Thema, NPO1 , eine freistehende Struktur mit eingebauter Herdplatte und Stauraum, erinnert an ein Blackbox-Theater, in dem wir uns leicht eine radikale Aufführung oder Mahlzeit vorstellen könnten.

Objekte von gemeinsamem Interesse

Eine weitere unumgängliche Szene bei Alcova war die mit Folie ausgekleidete Installation von <a href="https://www.instagram.com/objects_of_common_interest/?hl=en" target="_blank" rel="noopener">Objects of Common Interest</a> , die mit Hilfe der beliebten Kopenhagener Designgalerie Etage Project ein verlassenes Büro in einen Leuchtkasten verwandelten, der die Notizen der zeitgenössischen Kunstinstallation fast genauso schwer traf wie er denen des Industriedesigns. Diese Mehrdeutigkeit zwischen Raum und Objekt, Funktion und Theater ist genau die Ader der Abstraktion des transatlantischen Designstudios, das von Architekten mit Ausbildung an der Columbia University geleitet wird Eleni Petaloti und Leonidas Trampoukis sehen sich zu meiner gezwungen. Das Duo arbeitet remote, aber im Tandem von Studios in Athen, Griechenland bzw. New York, und ist übernatürlich dazu geneigt, die Grauzone zwischen Absicht und Zufall zu umarmen. Im Falle ihrer Alcova-Präsentation war die Komposition ein Gemisch aus konzeptionell brennbaren Zutaten, darunter zwei ihrer totemartigen Röhrenlichter, die wie Lichtblitze von der hohen Decke herabstrahlten und beide als Lichtquelle für den fensterlosen Raum fungierten sondern auch als schirmartige <a href="https://www.lofficielusa.com/travel-living/isabelle-stanislas-interior-designer-architect-paris-cartier" target="_blank" rel="noopener">architektonische</a> Eingriffe. Dann, auf dem Boden, gab es eine Handvoll ihrer Metamorphic Rock-Hocker im Spiel, deren mit Rollenrädern ausgestattete Formen von den Fluten der Besucher, die hereingeschreien, unendlich neu angeordnet wurden und Bilder von Gummibonbons und Bergketten heraufbeschworen. Erst als Sie sich die Mühe machten, sich auf einen dieser Felsen zu setzen, stellten Sie fest, dass sie sich fast gallertartig anfühlten. Das sind die Art von Überraschungen, die Objects of Common Interest immer versucht, in das Vertraute einzubacken. „ Wir glauben an Einfachheit, die Komplexität in Konzept, Prozess und Ausführung verbirgt“, teilt das Duo mit. „Wir sind begeistert von Ideen, die unvergänglich sind, und von der Schaffung temporärer Visionen, die in Erinnerung bleiben.“ Ihr Metamorphic Rocks hat uns sicherlich die ganze Woche begleitet.

Salone di Mobile kehrt mit einer neuen Klasse von Designern zurück

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